Ressources numériques en sciences humaines et sociales OpenEdition Nos plateformes OpenEdition Books OpenEdition Journals Hypothèses Calenda Bibliothèques OpenEdition Freemium Suivez-nous

De Dufresne à Dion – 24 avril 14h-16h

Prochaine session du webinaire mensuel « Circulations théâtrales : le rôle des agentes », le vendredi 24 avril de 14h à 16h. Nous aurons le plaisir d’écouter Bernard Jeannot-Guérin (Université de Lorraine – Nancy) pour une conférence intitulée « De Dufresne à Dion, le souffle des chanteuses québécoises et le renouveau du spectacle musical français (1970-2000) ».

Le webinaire se veut accessible à toutes et à tous, aux chercheurs et aux chercheuses, aux étudiantes et aux étudiants, aux curieux et aux curieuses, aux amies et aux amis, que vous souhaitiez rejoindre le groupe de recherche ou simplement écouter les conférences.

Pour participer à l’événement, vous pouvez vous connecter sur le lien suivant : https://bbb.univ-avignon.fr/rooms/txo-fyd-5sy-ntg/join

De Dufresne à Dion, le souffle des chanteuses québécoises et le renouveau du spectacle musical français (1970-2000)

Même si de nombreux interprètes masculins ont jalonné l’histoire de la chanson québécoise et fait entendre au public français les sonorités de la belle province (Félix Leclerc, Gilles Vignault, Robert Charlebois…), ce sont bien les artistes féminines qui ont imposé leur ethos dans les spectacles musicaux français. Quand les opéras-rock francophones sont créés à Paris au début des années 1970, le Québec est déjà pionnier de la culture rock et sait en théâtraliser l’esthétique pour en faire une dramaturgie musicale. Paradoxalement, il faut attendre Starmania, créé au palais des Congrès de Paris en avril 1979 pour que des artistes québécois s’illustrent dans un spectacle dramatico-musical destiné au public français. Fabienne Thibeault est plébiscitée pour son interprétation sensible et tragique des titres qui deviendront les tubes du spectacle (« Le Monde est stone » ; « Les uns contre les autres »…) tandis que Diane Dufresne occupe la scène et conforte son personnage de « Diva excentrique ». D’ailleurs, Starmania n’aurait sans doute pas existé si Michel Berger n’avait pas écouté l’album Opéra Cirque, écrit par Plamondon pour son égérie Dufresne en 1973. Le parolier et son interprète ont ainsi incontestablement revivifié la scène culturelle des années 70 de Montréal à Paris, de la chanson d’album à la théâtralité scénique. Au prisme de Starmania, les hyperproductions qui occupent l’espace dramatique des années 80-90 jouent sur les échanges entre le Québec et la France, tant en termes de création, d’interprétation et de production. Cette période connaît son apogée avec Notre-Dame de Paris (1998), que Céline Dion universalise par sa reprise magistrale du single promotionnel « Vivre », traduit en anglais (« Live for the one I love ») et réorchestré à la mesure de son empan vocal pour créer un véritable morceau de bravoure télévisuel et scénique. En 1999, « Live for the one I love » donne déjà toutes les clefs de lecture de ce que seront les performances interprétatives de Céline à Las Vegas, confirmant s’il le fallait la possibilité hyperthéâtrale de la chanson francophone.

Dans cette période qui couvre 30 ans d’échanges culturels entre le Québec et la France, Bernard Jeannot-Guérin abordera quatre axes de réflexion sur la théâtralité des chanteuses québécoises et les enjeux de leur présence dans la création des spectacles français :

  • Excentricités et iconicité : les postures interprétatives des rockeuses québécoises
  • Vocalité et corporalité : le soft power des minorités exposées
  • L’ACI (Autrice compositrice interprète) québécoise et les micro-drames chantés en France : l’exemple d’Un éternel hiver (opéra-folk de Lynda Lemay)
  • Céline Dion et la recherche de postérité du spectacle musical français.

Bernard Jeannot-Guérin est maître de conférences en littérature française, docteur en langue et littérature françaises et en arts du spectacle. Il enseigne actuellement dans le département d’études culturelles de l’université de Lorraine (Nancy). Chercheur au LIS (UR 7305), il est spécialiste de la comédie musicale francophone, de 1971 à nos jours, et adosse ses travaux sur les arts du spectacle populaire contemporains aux études cantologiques. Auteur de nombreux articles sur la chanson francophone et la comédie musicale, il a publié en 2024 La Comédie musicale à la française : de l’opéra-rock à l’opéra urbain, aux Presses universitaires de Provence, et a assuré la direction de l’ouvrage collectif Starmania, ou la passion de l’opéra-rock français, (Presses universitaires de Rennes, 2026). Il est à l’origine d’un projet inter-universités de patrimonialisation et de conservation des archives du spectacle musical populaire contemporain (“Le spectacle musical en archives numériques : une patrimonialisation immatérielle du XXIe siècle”, Université d’Angers, Université de Lorraine, Sorbonne nouvelle). Bernard Jeannot-Guérin est également artiste professionnel : il pratique le théâtre et la comédie musicale depuis l’âge de 15 ans.

Entre Paris et Rio de Janeiro : la dramaturgie de Júlia Lopes de Almeida (1862-1934)

Conférence de Flávia Hiroki pour le webinaire « Circulations théâtrales : le rôle des agentes », le 30 janvier 2026.

Entre Paris et Rio de Janeiro : la dramaturgie de Júlia Lopes de Almeida (1862-1934), influences théâtrales françaises et construction d’une identité féminine brésilienne dans la Première République au Brésil (1889-1930)

L’œuvre de Júlia Lopes de Almeida (1862-1934), autrice et dramaturge brésilienne est marquée par les échanges culturels et littéraires entre Rio de Janeiro et Paris. Sa relation avec ces deux territoires, nourrie par ses séjours en Europe et ses réseaux de sociabilité intellectuelle, ainsi que par l’intégration de références françaises dans son écriture, permet d’interroger les circulations culturelles entre ces deux mondes. Cette communication examine l’influence du théâtre français sur l’œuvre de Júlia Lopes de Almeida et les débats sur la place des femmes dans la littérature et la dramaturgie à travers l’étude de la pièce A Herança (L’Héritage), mise en scène en 1908 lors de l’Exposition nationale à Rio. 

Conférencière

Flávia Hiroki est doctorante en théâtre à l’École doctorale LECLA (Lettres, Communication, Langues, Arts), sous la direction de Christine Douxami et Mara Montanaro. Ancienne professeure à l’Université Sagrado Coração (Brésil), elle mène depuis 2012 des recherches sur les liens entre genre et théâtre. Elle est titulaire d’un Master de l’UNICAMP – Universidade Estadual de Campinas et a contribué à l’ouvrage “Gênero expandido: performances e contrassexualidades”, dirigé par Dodi Leal et Marcelo Deny.

D’un siècle à l’autre : Mlle Raucourt et Mlle George ou le renouvellement des modèles (1780–1830)

Conférence de Florence Filippi pour le webinaire « Circulations théâtrales : le rôle des agentes », le 12 décembre 2025.

D’un siècle à l’autre : Mlle Raucourt et Mlle George ou le renouvellement des modèles (1780–1830)

Les trajectoires de Mlle Raucourt (1756-1815) et Mlle George (1787-1867) ne relèvent pas tant de l’exception que d’une dynamique historique où les actrices deviennent des vecteurs essentiels de transformation culturelle, capables de renouveler les codes du théâtre, mais réussissent aussi à contrevenir aux assignations de genre en influençant les discours et les représentations sociales. Leur rôle de passeuses s’exerce à plusieurs niveaux : esthétique (transmission et renouvellement), social (visibilité du désir féminin, indépendance économique et artistique), politique (interaction avec les pouvoirs, crises institutionnelles) et médiatique (structuration du vedettariat). Elles incarnent ainsi la naissance d’un nouveau régime de l’actrice : non plus simple interprète, mais agente de circulation symbolique, figure publique capable d’articuler les tensions d’une époque en mutation.

Conférencière

Florence Filippi est maîtresse de conférences à l’université Rouen Normandie en études théâtrales et littérature française, spécialiste de l’histoire du jeu et des représentations sous la Révolution, l’Empire et la Restauration. Elle s’intéresse plus particulièrement aux mémoires et correspondances d’actrices et d’autrices du premier XIXe siècle. Elle a publié, avec Sara Harvey et Sophie Marchand, Le sacre de l’acteur. Émergence du vedettariat théâtral de Molière à Sarah Bernhardt (Armand Colin, 2017) et, plus récemment Le Coeur seul : vestiges de l’amour et ferments de la liberté dans l’oeuvre romanesque de Claire de Duras, PURH, 2025.

[Bibliographie] Le Théâtre total de Judith Gautier

Le Théâtre total de Judith Gautier. Rêve d’Extrême-Orient – Oriane Chevalier

Les pièces de Judith Gautier influencent puissamment l’imaginaire entourant la Chine et le Japon et tendent vers un spectacle total, parachèvement de sa conception idéale du théâtre. Cet ouvrage cherche à définir cette esthétique théâtrale en conjuguant traductologie, imagologie et arts de la scène.

https://classiques-garnier.com/le-theatre-total-de-judith-gautier-reve-d-extreme-orient.html

Judith Gautier : passeuse du théâtre chinois et japonais à la Belle Époque

Conférence d’Oriane Chevalier pour le webinaire « Circulations théâtrales : le rôle des agentes », le 14 novembre 2025.

Judith Gautier : passeuse du théâtre chinois et japonais à la Belle Époque

À la Belle Époque, le zaju chinois et le kabuki japonais gagnent les planches françaises grâce aux adaptions pionnières de Judith Gautier, qui ne cessent de façonner un théâtre extrême-oriental faisant évoluer l’imaginaire collectif associé à la Chine et au Japon. Cette traductrice-dramaturge nourrit ainsi son esthétique théâtrale à partir des théâtres chinois et japonais pour tendre vers son rêve de théâtre total.

Cette communication se propose tout d’abord d’explorer le rôle de passeuse du théâtre chinois et japonais, joué par Judith Gautier à la Belle Époque. Après avoir rappelé tous les défis que supposent la traduction du théâtre extrême-oriental, nous questionnerons les stratégies mises en place par cette passeuse : sont-elles toujours nécessaires pour assurer la réception des pièces ou relèvent-elles parfois de libres réécritures ? Il conviendra également d’étudier l’empreinte que Gautier laisse dans la mise en scène de ses pièces : présente aussi bien aux répétitions qu’aux représentations, elle accompagne en effet le choix des costumes mais aussi le jeu des acteurs et actrices. Marionnettiste, sculptrice, musicologue, chorégraphe, Judith Gautier s’illustre en femina universalis et expérimente la plupart de ses pièces dans son « petit théâtre » avant de les faire représenter sur la scène odéonienne, ajustant ainsi sa traduction textuelle et scénique face à un public choisi. Nous décrypterons également les postures et stratégies publiques mises en place par cette passeuse académicienne, qui ne cesse de s’adresser à son public par des causeries ou des interviews afin d’accompagner la réception de ses pièces, tout en vulgarisant l’accès au théâtre extrême-oriental.

Nous nous intéresserons ensuite aux stratégies d’adaptation cibliste mises en place par Judith Gautier qui offre à son public un théâtre eurasien, entremêlant traditions théâtrales extrême-orientales et occidentales. Nous établirons une typologie des rôles présents dans le théâtre de Judith Gautier, les types chinois et japonais fusionnant avec les types familiers du public français. Nous reviendrons également sur le cas de la Marchande de sourires, pièce chinoise que la traductrice déguise en japonaise afin de profiter de la vogue du Japonisme. Dès lors, le public odéonien découvre une pièce chinoise sous des traits japonais, sans se rendre compte du subterfuge, et la pièce connaît un véritable succès, avec cent-quarante-sept représentations en 1888 et 1889. Nous nous pencherons également sur la question du travestissement dans les pièces de Judith Gautier. En effet, alors que les rôles féminins sont encore joués par des hommes en Chine et au Japon au XIXe siècle, Judith Gautier semble renverser cette pratique du travestissement puisqu’elle met en scène des femmes travesties en hommes.

Enfin, nous étudierons l’Orientalisme au féminin que Judith Gautier élabore dans ses pièces, en offrant de nouveaux emplois et rôles féminins pour l’Occident. Nous verrons tout d’abord en quoi la traduction et l’adaptation redéfinissent des trajectoires émancipatrices pour les personnages féminins. Une étude philologique montre ainsi que Judith Gautier a créé plusieurs personnages féminins dans ses adaptations, personnes qui étaient donc absents des pièces originales. Nous analyserons également les ajouts de répliques et de didascalies ainsi que la réécriture des dénouements qu’opère cette traductrice-dramaturge afin d’offrir une plus grande agentivité à ses rôles féminins. Judith Gautier semble également soucieuse d’offrir de nouveaux rôles plus diversifiés aux actrices occidentales, notamment en forgeant de nouveaux emplois. C’est le cas de la courtisane sublime, de la femme-combattante ou encore de la femme-auteure, que nous retrouvons dans plusieurs de ses pièces. Ces bas-bleus chinois et japonais offrent ainsi à Judith Gautier la possibilité de faire chanter ses propres traductions ou créations poétiques tout en jouissant d’une double réception : une réception par les autres personnages chinois ou japonais sur scène, d’une part, et une réception occidentale dans la salle, d’autre part. Finalement, cette communication vise à démontrer qu’au-delà du rôle de passeuse qu’elle a joué dans les transferts culturels entre la France et l’Extrême-Orient, Judith Gautier s’impose en dramaturge novatrice et influente pour la scène de la Belle Époque.

Conférencière

Oriane Chevalier est doctorante en Littérature Comparée à l’Université Clermont Auvergne. Sa thèse est dirigée par Yvan Daniel et s’intitule « Passeuses d’Est en Ouest : l’Extrême-Orient à travers le prisme de cinq pionnières ». Diplômée de l’École Normale Supérieure de Lyon, elle consacre ses travaux au rapport à l’Extrême-Orient qu’entretiennent les écrivaines occidentales ainsi qu’à la diffusion de la littérature chinoise et japonaise par les femmes dans les mondes francophones, anglophones et hispanophones. Sa monographie Le Théâtre total de Judith Gautier : Rêve d’Extrême-Orient est parue en octobre 2025 aux Lettres Modernes Minard. Elle a donné des conférences en Chine, au Japon, en Corée du Sud, au Canada, aux États-Unis, en Irlande du Nord, en Angleterre, en Suède, en Suisse, au Portugal et en Espagne. En parallèle de son doctorat, elle traduit des poétesses chinoises et étatsunienne en français et réalise une licence de japonais.

Suzanne Lalique, décoratrice et costumière à la Comédie-Française : l’invention d’un style qui s’exporte

Conférence de Marianne Bouchardon pour le webinaire « Circulations théâtrales : le rôle des agentes », le 17 octobre 2025.

Suzanne Lalique, décoratrice et costumière à la Comédie-Française : l’invention d’un style qui s’exporte

De sa longue expérience de décoratrice d’intérieur au sein de l’entreprise familiale, Suzanne Lalique retire une polyvalence qui lui permet, à son entrée à la Comédie-Française en 1937, de prendre la direction à la fois des ateliers de décors et des ateliers de costume. En coordonnant les différents corps de métiers, elle parvient à imposer à la Maison de Molière, pendant plus de trente ans, un style, dont on verra qu’il favorise aussi bien l’importation de Pirandello en France que l’exportation de Molière en Russie et aux États-Unis. 

Conférencière

Marianne Bouchardon, PR de littérature à la Sorbonne, est spécialiste de l’histoire et de la théorie du théâtre du second XIXe siècle au XXIe siècle. Ses recherches portent notamment sur la poétique du drame moderne et contemporain, l’histoire de la mise en scène et la critique dramatique. Outre diverses éditions de textes (Henry Becque, Émile Zola, Villiers de l’Isle-Adam), elle a publié chez Eurédit un essai intitulé Une histoire d’œil. La critique dramatique face à la mise en scène (1870-1914) et mis en ligne sur le site Dezède un répertoire des critiques dramatiques dans la presse et les revues. Mais elle s’intéresse aussi, plus généralement, aux rapports entre création et critique, qu’interrogent trois ouvrages collectifs qu’elle a co-dirigés : L’Ombre dans l’œuvre. La critique dans l’œuvre littéraire (Classiques Garnier, 2015) et L’Œuvre inclassable (Publications numériques du CÉRÉdI, 2016), La Critique culturelle sur internet (Presses Universitaires de Caen, 2026).

[REPORT] De Dufresne à Dion – 24 avril 14h-16h

Suite à un problème technique la séance du webinaire mensuel « Circulations théâtrales : le rôle des agentes » du vendredi 27 mars de 14h à 16h, est reportée le vendredi 24 avril 14h à 16h, sur BBB. Nous aurons le plaisir d’écouter Bernard Jeannot-Guérin (Université de Lorraine – Nancy) pour une conférence intitulée « De Dufresne à Dion, le souffle des chanteuses québécoises et le renouveau du spectacle musical français (1970-2000) ».

Pour participer à l’événement, vous pouvez vous connecter sur le lien suivant : https://bbb.univ-avignon.fr/rooms/txo-fyd-5sy-ntg/join

De Dufresne à Dion, le souffle des chanteuses québécoises et le renouveau du spectacle musical français (1970-2000)

Même si de nombreux interprètes masculins ont jalonné l’histoire de la chanson québécoise et fait entendre au public français les sonorités de la belle province (Félix Leclerc, Gilles Vignault, Robert Charlebois…), ce sont bien les artistes féminines qui ont imposé leur ethos dans les spectacles musicaux français. Quand les opéras-rock francophones sont créés à Paris au début des années 1970, le Québec est déjà pionnier de la culture rock et sait en théâtraliser l’esthétique pour en faire une dramaturgie musicale. Paradoxalement, il faut attendre Starmania, créé au palais des Congrès de Paris en avril 1979 pour que des artistes québécois s’illustrent dans un spectacle dramatico-musical destiné au public français. Fabienne Thibeault est plébiscitée pour son interprétation sensible et tragique des titres qui deviendront les tubes du spectacle (« Le Monde est stone » ; « Les uns contre les autres »…) tandis que Diane Dufresne occupe la scène et conforte son personnage de « Diva excentrique ». D’ailleurs, Starmania n’aurait sans doute pas existé si Michel Berger n’avait pas écouté l’album Opéra Cirque, écrit par Plamondon pour son égérie Dufresne en 1973. Le parolier et son interprète ont ainsi incontestablement revivifié la scène culturelle des années 70 de Montréal à Paris, de la chanson d’album à la théâtralité scénique. Au prisme de Starmania, les hyperproductions qui occupent l’espace dramatique des années 80-90 jouent sur les échanges entre le Québec et la France, tant en termes de création, d’interprétation et de production. Cette période connaît son apogée avec Notre-Dame de Paris (1998), que Céline Dion universalise par sa reprise magistrale du single promotionnel « Vivre », traduit en anglais (« Live for the one I love ») et réorchestré à la mesure de son empan vocal pour créer un véritable morceau de bravoure télévisuel et scénique. En 1999, « Live for the one I love » donne déjà toutes les clefs de lecture de ce que seront les performances interprétatives de Céline à Las Vegas, confirmant s’il le fallait la possibilité hyperthéâtrale de la chanson francophone.

Dans cette période qui couvre 30 ans d’échanges culturels entre le Québec et la France, Bernard Jeannot-Guérin abordera quatre axes de réflexion sur la théâtralité des chanteuses québécoises et les enjeux de leur présence dans la création des spectacles français :

  • Excentricités et iconicité : les postures interprétatives des rockeuses québécoises
  • Vocalité et corporalité : le soft power des minorités exposées
  • L’ACI (Autrice compositrice interprète) québécoise et les micro-drames chantés en France : l’exemple d’Un éternel hiver (opéra-folk de Lynda Lemay)
  • Céline Dion et la recherche de postérité du spectacle musical français.

Bernard Jeannot-Guérin est maître de conférences en littérature française, docteur en langue et littérature françaises et en arts du spectacle. Il enseigne actuellement dans le département d’études culturelles de l’université de Lorraine (Nancy). Chercheur au LIS (UR 7305), il est spécialiste de la comédie musicale francophone, de 1971 à nos jours, et adosse ses travaux sur les arts du spectacle populaire contemporains aux études cantologiques. Auteur de nombreux articles sur la chanson francophone et la comédie musicale, il a publié en 2024 La Comédie musicale à la française : de l’opéra-rock à l’opéra urbain, aux Presses universitaires de Provence, et a assuré la direction de l’ouvrage collectif Starmania, ou la passion de l’opéra-rock français, (Presses universitaires de Rennes, 2026). Il est à l’origine d’un projet inter-universités de patrimonialisation et de conservation des archives du spectacle musical populaire contemporain (“Le spectacle musical en archives numériques : une patrimonialisation immatérielle du XXIe siècle”, Université d’Angers, Université de Lorraine, Sorbonne nouvelle). Bernard Jeannot-Guérin est également artiste professionnel : il pratique le théâtre et la comédie musicale depuis l’âge de 15 ans.

Danseuses dans des espaces mondains (1871-1914) : promouvoir la danse et accéder à de nouvelles fonctions

Conférence d’Hélène Marquié pour le webinaire « Circulations théâtrales : le rôle des agentes », le 13 juin 2025.

Danseuses dans des espaces mondains (1871-1914) : promouvoir la danse et accéder à de nouvelles fonctions

L’importance des réseaux mondains et des salons a été bien démontrée pour la musique, notamment par les travaux de Myriam Chimenes. Par contre, rien n’est venu documenter le sujet pour la danse – hormis pour ce qui concerne Isadora Duncan, Loïe Fuller et les Ballets russes. Or, même si un fossé social et symbolique, bien plus profond que pour les musicien·nes, séparait la danse – les danseuses – de ces cercles, ils ont joué un rôle fondamental dans la carrière professionnelle de beaucoup de danseuses, notamment de celles qui ont alors accédé à la profession de maîtresse de ballet, et pour médiatiser une culture de la danse dont elles ont été porteuses. C’est en effet entre 1871 et 1914 que les danseuses ont, en France, investi l’activité, jusque-là privilège masculin, dans un contexte d’inflation de besoins chorégraphiques, suite à la libéralisation des entreprises théâtrales et à la déréglementation des cafés-concerts en 1864 et 1867 et dans un contexte de pénurie de danseurs. Outre les activités de chorégraphe et de direction d’artistes que la fonction imposait, beaucoup de ces femmes ont aussi constitué et diffusé une culture chorégraphique nouvelle : reconstitutions de danses anciennes et antiques, réflexions pédagogiques et diffusion d’enseignements, promotion de la danse, collections, etc.

Portant sur des recherches en cours, l’intervention tentera de préciser la nature de ces cercles (salons, conservatoires privés et autres instituts, occasionnels ou pérennes…), quelles étaient leurs activités (fêtes privées, enseignements artistiques, diffusion culturelle…), la nature de leurs liens avec certaines danseuses et quelles ont été les activités de ces dernières, quelles en étaient les contraintes et aussi les avantages retirés.

Par ailleurs, si ces cercles ont très souvent été initiés et/ou organisés par des femmes, agissant alors comme « agentes », les danseuses qui les fréquentaient ont elles-mêmes été agentes, que ce soit par leurs actions de diffusion de certaines formes chorégraphiques nouvelles ou en y introduisant d’autres danseuses, et cette recherche conduit à esquisser un réseau féminin, souvent hiérarchisé et néanmoins efficient.

Conférencière

Hélène Marquié  est professeure au département d’études sur le genre de l’université Paris 8, spécialiste de danse et des arts vivants, membre du laboratoire « Scènes du monde, création, savoirs critiques ». Un volet important de ses recherches porte sur la danse dans les débuts de la Troisième République, l’accession des femmes à la profession de maîtresse de ballet, sur les circulations esthétiques et les modernités en présence, ainsi que sur les conditions de vie et de travail des artistes du spectacle à cette époque ; un autre volet concerne les effets du genre dans le secteur chorégraphique actuel. Elle a publié Non, la danse n’est pas un truc de filles ! Essai sur le genre en danse (l’Attribut, 2016), avec Charlotte Foucher et Frédérick Duhautpas, Médiatrices des arts. Pour une histoire des transmissions et réseaux féminins et féministes (Presses universitaires Paris Nanterre, 2022), avec Raphaëlle Legrand et Florence Launay, Femmes de l’Opéra-Comique, 3 vol., à paraître en 2025 et 2026. Plus spécifiquement autour du thème abordé ici, « Cours de chorégraphie et leçons de danse, pour les artistes, les gens du monde et les autres. Un nouvel enseignement de la danse en France avant la Première Guerre mondiale », Danse et éducation, Patrick Germain-Thomas, Joëlle Vellet (dir.), Recherches en danse n° 11, 2022. https://journals.openedition.org/danse/5430

Un réseau artistique féminin international : le Lyceum

Conférence de Nathalie Coutelet pour le webinaire « Circulations théâtrales : le rôle des agentes », le 25 avril 2025.

Un réseau artistique féminin international : le Lyceum

Organisation tout d’abord anglaise, le Lyceum ouvre des succursales dans différents pays, dont la France (1907), avec l’ambition de favoriser les créations féminines. Sous l’influence de la duchesse d’Uzès, éminente protectrice des arts, le Lyceum de Paris bénéficie du réseau international et présente à ses adhérentes des artistes et des œuvres méconnues ou inédites : Karen Bramson, May de Witt Hopkins ou Mme Jehan d’Ivray. Par sa longévité et le nombre de ses membres, le Lyceum se présente comme le creuset d’un bouillonnement intellectuel et artistique et offre une vitrine aux créations féminines internationales. Toutefois, son caractère privé de club permet d’interroger la réelle efficacité, l’impact public de ses actions artistiques, de la Belle Époque à l’entre-deux-guerres.

Conférencière

Nathalie Coutelet, professeure au département Théâtre de l’Université Paris 8, s’intéresse aux formes minorées de l’histoire des spectacles sous la IIIe République : café-concert, music-hall, cirque, théâtres populaires, théâtres à côté et créations des femmes. Elle a notamment publié Un Théâtre à côté : la Grimace. De la Belle Époque aux années folles (Otrante, 2020), co-dirigé avec Valentina Ponzetto et Marie-Caroline Thuillier le numéro « Les théâtres de la nature », Horizons/Théâtre, automne 2024, « L’agentivité féminine par la création : l’exemple de Jehanne d’Orliac », Romain Bionda, Valentina Ponzetto, Valérie Cossy (dir.), Femmes de spectacle (danse, opéra, théâtre). Création, représentation et sociabilité au féminin : entre scènes publiques et spectacles de société 1650-1914, Leiden/Boston, Brill, 2024.

Dramagentes – Passeuses, actrices, éditrices, directrices de théâtre, traductrices, etc. : le rôle des femmes dans les transferts théâtraux